Das Handwerk der Fotografie zu beherrschen, erfordert eine Menge Arbeit, aber die Regeln, um ein schönes Foto zu erstellen, sind eigentlich ganz einfach. Lass dir von den größten Malern der Welt die einfache Kunst der Bildkomposition beibringen. So wird dein Blog oder deine Website zum Renner.
Der Autor Malcolm Gladwell sagte in seinem 2008 erschienenen Buch “Überflieger – Outliers“, dass es 10.000 Übungsstunden braucht, um ein Handwerk in Meisterschaft zu beherrschen. Tatsächlich hängen die Ergebnisse davon ab, wie man übt, und nicht nur davon, wie viel man übt. Man muss üben, strukturiertes und konstruktives Feedback erhalten, seine Technik anpassen und es erneut versuchen – ein positiver Kreislauf der Wiederholung, der zu ständiger Verbesserung führt.
Ich hatte meine 10.000 Stunden auf dem Gebiet der Fotografie. Wie viele andere auch, habe ich viele Jahre einfach nur herumgespielt, ohne eine Strategie zu haben. Ich hatte lange Perioden der Frustration, in denen sich meine Fähigkeit, ein großartiges Foto zu erkennen, schneller verbesserte als meine Fähigkeit, eines zu erstellen. Ich verstand zwar, dass ein bestimmtes Foto großartig war, aber ich verstand nicht, dass es einer Reihe von Regeln folgte oder gegen sie verstieß – sowohl bei der Komposition als auch bei den technischen Einstellungen.
Natürlich befassen sich viele Bücher mit beiden Themen. Aber ich glaube (immer noch), dass das Bedürfnis des Verlegers, 400 verkaufbare Seiten zu produzieren, dem Verständnis abträglich ist. Und dass die Regeln zur Beherrschung jedes kreativen Handwerks eigentlich ganz einfach sind. Ich bin sicher, wenn ich das vor 20 Jahren gewusst hätte, hätte ich mir (mindestens) 5.000 dieser 10.000 Stunden ersparen können.
Vielleicht kann ich dir jetzt ein paar Stunden ersparen?
In diesem Artikel konzentriere ich mich darauf zu zeigen, wie man aktiv sehen lernt. Die Kunst macht natürlich Fortschritte, indem sie Regeln bricht. Aber wie meine Kunstlehrerin Friedl Kubelka mir einst beibrachte: „Bevor man die Regeln brechen kann, muss man sie erst einmal lernen.“
Muster erkennen
Der Mensch ist ständig unzähligen äußeren Reizen ausgesetzt: Visuelles, Geräusche, Temperatur, Gerüche, Geschmäcker, Berührungen. Zu viele, als dass wir sie alle bewusst verarbeiten könnten. Um Chaos zu vermeiden nutzen wir Abkürzungen. Wir lernen, Muster zu erkennen. Sieht aus wie ein Baum – ist wahrscheinlich ein Baum. Der Hund bellt, wedelt aber auch mit dem Schwanz – wahrscheinlich freundlich. Wir sind zufrieden und fühlen uns sicher, wenn wir einen Gegenstand wahrnehmen und ein Muster erkennen.
Die Mustererkennung gibt uns Befriedigung, weil sie uns hilft, unsere Umwelt schnell zu verstehen. Wenn wir ein Foto machen, das die Betrachterin versteht, schaffen wir Zufriedenheit. Unser Foto wird daher mit hoher Wahrscheinlichkeit als gut empfunden.
Unser Überlebensinstinkt sagt uns, dass Klarheit besser ist als Chaos. Klarheit in visueller Hinsicht wird durch Harmonie ausgedrückt. Diese scheint in allen menschlichen Kulturen universell zu sein.
Ein weiterer Zweck von Mustern ist es, den Blick der Betrachterin auf das zu lenken, was im Bild wichtig ist. Im Film hingegen werden wir von der Erzählung geleitet, wie sich die Geschichte abspielt.
Muster, die Harmonie schaffen können eine erzählerische Funktion in einer Fotografie erfüllen.
Erst schauen. Dann handeln.
Wenn wir fotografieren kann es unser Ziel sein, Bilder mit harmonischen Mustern zu schaffen. Das klingt ziemlich kompliziert und ist in der Tat schwierig, dies bewusst zu tun. Also müssen wir unser Ziel in Teile zerlegen. Zuerst lernen wir, wie wir eine endliche Anzahl von Mustern in unserer Umgebung erkennen können. Wie beim Memory-Spiel.
Die meisten Lehrbücher raten, sich Muster zu merken und beim Fotografieren zu reproduzieren. Das hat bei mir überhaupt nicht funktioniert. Wenn ich mich sowohl auf die Kamera als auch auf das Objekt konzentrieren soll, habe ich nicht die Bandbreite, um mit einer Kompositionsmethode zu jonglieren, ganz zu schweigen von den neun verschiedenen Methoden, die ich hier vorstelle.
Stattdessen knipste ich meine Fotos, wie sie halt kamen. Dann, zu Hause angekommen, analysierte ich ihren kompositorischen Wert. Diejenigen, von denen ich dachte, es fehle ihnen an wesentlicher Harmonie, habe ich verworfen und den Rest behalten. Und jetzt kommen die Tausenden von Stunden der Wiederholung – ich tat dies immer und immer und immer wieder. Meine Fotos verbesserten sich mit der Zeit, denn die Muster brannten sich in meinen Blick. Schließlich habe ich bei einem Shooting nie mehr an sie gedacht. Heute sehe ich die Muster auch dann, wenn ich keine Kamera dabei habe. Ich fotografiere oft, während ich kaum durch den Sucher blicke – ich spüre, wann das Bild richtig ist, und das ist es meistens auch. Ich bin jetzt Profi und – angesichts des Mangels an Talent, den ich hatte, als ich anfing – glaube ich, dass jeder das Fotografenhandwerk erlernen kann.
Nun, ohne weitere Umschweife, hier sind neun Muster, die ich interessant und nützlich finde – sogar harmonisch. Anstatt Fotografien zu zeigen, habe ich klassische Gemälde aus fünf Jahrhunderten von der Renaissance bis zum Impressionismus ausgewählt. Manchmal ist es hilfreich, zur Quelle einer Erfindung zu gehen.
Finde den Schieberegler auf dem Bild: Bewege ihn nach rechts, um die Linien zu zeigen, die ich gezeichnet habe, um das Muster zu illustrieren.
1. Der Goldene Schnitt
Es ist viel über den Goldenen Schnitt geschrieben worden: ein in der Natur häufig anzutreffendes Muster, das mathematisch in der Fibonacci-Folge ausgedrückt wird.
Einfach ausgedrückt reicht es zu sagen, dass vollständige Symmetrie nicht das natürlichste harmonische Muster ist. Vollständige Symmetrie ist ein Quadrat mit einem (absoluten) Mittelpunkt. Die größte Harmonie findet sich jedoch in einem Rechteck, bei dem die kurze Linie etwa halb so lang ist wie die lange. Die Christen erkannten dies und entwarfen das christliche Kreuz, um die Harmonie des Goldenen Schnitts auszudrücken.
Wenn du zum Beispiel das wichtigste Element deines Fotos an den Schnittpunkt der kurzen und der langen Linie setzen, erzeugst du Harmonie. In einem vertikalen, eng beschnittenen Porträt lenkt dies normalerweise den Blick des Betrachters auf die Augen im Porträt.
Ich habe ein Kreuz im Goldenen Schnitt über Vincent van Goghs Selbstporträt von 1886-87 (British Royal Collection) gesetzt. Wir sind fasziniert von der Intensität seiner Augen. Sie ruhen auf der horizontalen Linie des Kreuzes, gemessen von der Unterseite des Gemäldes aus. Diese Linie ist der Bereich mit der größten Harmonie. In fast jedem Porträt kannst du das Kreuz so platzieren. (Offensichtlich spielen einige Künstlerinnen damit, diese Regel zu brechen).
In einer Gesamtansicht einer Person ist das Zentrum des Bildes das Herz. Leonardo Da Vinci hat das in seinem berühmten vitruvischen Mann gezeigt.
John Singer Sargent lenkte unseren Blick noch präziser mit der Position der Hand in seinem farbenfrohen Porträt von Dr. Pozzi zu Hause:
Als Amateure neigen wir dazu, den wichtigsten Gegenstand in den absoluten Mittelpunkt zu stellen. Das geschieht vor allem deshalb, weil sich dort der Fokuspunkt im Sucher befindet. Die neue Regel: Setze die die Augen, das Gesicht oder das Herz in die Mitte der Linie, die das obere Drittel des Bildes markiert, um Harmonie statt Bewegungslosigkeit zu erreichen.
Dein Take-away: Fokussiere wie gewohnt in der Mitte und neige dann die Kamera ein wenig nach unten um den Bildausschnitt ins obere Dritten zu verschieben . Gratuliere dir sich selbst, du hast die Hälfte des Weges zu deinem Ziel, ein Profi zu werden, hinter dich gebracht.
2. Anschnitt
Das Hirn ist eine schöne Sache. Es kann ohne einen vollständigen Satz von Informationen arbeiten und das Unbekannte extrapolieren. Mit anderen Worten: Unser Gehirn weiß, wie es die fehlenden Teile eines Bildes ausfüllt.
Wir brauchen die Häuser links und rechts in Pieter Breughels Massaker an den Unschuldigen, um zu sehen, dass die Aktion auf einem Stadtplatz stattfindet. Aber Breughel beschneidet das Bild so, dass nur die Fassaden sichtbar sind. Die übrigen Häuser befinden sich außerhalb des Rahmens. Der durch den Zuschnitt der Häuser gewonnene Platz bringt dem Betrachter die grausigen Szenen näher und zwingt, uns auf die gewalttätige Tragödie zu konzentrieren.
Der Ausschnitt wird auch verwendet, um den Fokus des Betrachters auf ungefähr jedes Porträt in jeder Zeitschrift der Welt zu lenken:
Abgesehen davon, dass ich hier einen genaueren Blick auf das Gesicht und die Augen bekomme, hat der Ausschnitt auch eine psychologische Wirkung, weil mein Gehirn automatisch zum Handeln gezwungen wird, um die restlichen Haare, den Hut und die Haut hinzuzufügen und so das Bild zu vervollständigen. Es muss etwas mehr arbeiten, als wenn all die zusätzlichen Informationen über Größe, Form und Farbe von Breughels Häusern auf dem Stadtplatz sichtbar wären. Auf der anderen Seite muss das Gehirn nicht all die zusätzlichen Informationen durchsortieren und ihnen einen Sinn geben. Diese zusätzliche Arbeit nennt man Engagement. Je engagierter wir als Betrachter sind, desto zufriedener sind wir, wenn unser Gehirn das Bild vervollständigt.
Dein Take-away: Finde heraus, wie viel du die Umgebung beschneiden kannst, ohne zu viel zu verlieren – Du wirst es spüren, wenn das passiert. Aktion: Fotografiere wie immer und treten dann etwas näher heran, um eine engere Sicht haben.
Abgesehen davon, dass ich hier einen genaueren Blick auf das Gesicht und die Augen bekomme, hat der Ausschnitt auch eine psychologische Wirkung, weil mein Gehirn automatisch zum Handeln gezwungen wird, um die restlichen Haare, den Hut und die Haut hinzuzufügen und so das Bild zu vervollständigen. Es muss etwas mehr arbeiten, als wenn all die zusätzlichen Informationen über Größe, Form und Farbe von Breughels Häusern auf dem Stadtplatz sichtbar wären. Auf der anderen Seite muss das Gehirn nicht all die zusätzlichen Informationen durchsortieren und ihnen einen Sinn geben. Diese zusätzliche Arbeit nennt man Engagement. Je engagierter wir als Betrachter sind, desto zufriedener sind wir, wenn unser Gehirn das Bild vervollständigt. Das beschreibt auch Brian Dilg in: Wie Fotos wirken: Wie wir sehen, wahrnehmen und denken.
Dein Take-away: Finde heraus, wie viel du die Umgebung beschneiden kannst, ohne zu viel zu verlieren – Du wirst es spüren, wenn das passiert. Aktion: Fotografiere wie immer und treten dann etwas näher heran, um eine engere Sicht haben.
Übrigens: Wie du auf diesen Titelfotos sehen kannst, sind Vogue, Marie Claire, Cosmo und Harper’s Bazaar große Fans des Goldenen Schnitts.
3. Drittel-Regel
Wir haben den Goldenen Schnitt bei symmetrischen Porträts in Aktion gesehen, bei denen die visuelle Führung das vertikale Kreuz ist. Das Prinzip funktioniert genauso gut, wenn wir das Kreuz auf den Kopf stellen und den Fokus in das untere Drittel legen. Bei einem querformatigen Foto erreichen wir immer noch Harmonie und Richtung, indem wir den Fokus nach links oder rechts auf zwei Drittel der längeren Seite verschieben. Dies entspricht einer Drehung des Kreuzes um 90 Grad.
Wie Sie sehen, können wir das Hauptobjekt des Fokus auf jeden beliebigen Schnittpunkt in der folgenden Grafik legen:
Sehen wir uns an, wie Breughel das in seinen „Jäger im Schnee“ macht. Werfen Sie zunächst einen Blick auf das Bild:
Beachte, wie der Fokus auf den Jägern an der unteren linken Kreuzung liegt. Breughel legte auch den Vordergrund in das untere Drittel, den Mittelgrund (die weiter entfernten gefrorenen Seen) in das mittlere Drittel und den Hintergrund in das obere Drittel. Breughel hat viel nachgedacht, bevor er den Pinsel auf die Leinwand brachte.
Dein erstes Take-Away ist, dass der Goldene Schnitt auf dem Kopf oder von links nach rechts ausgeführt werden kann.
4. Lenke den Blick der Betrachter
Lass uns einen längeren Blick auf die Jäger werfen. Breughel hilft uns, indem er unseren Blick lenkt: Wir beginnen mit den Jägern (deshalb hat er sie auf einen Punkt des Goldenen Schnittes gesetzt), und wir schauen automatisch in die Richtung, in die sie gehen:
Dies entspricht der Bewegung in einem Film. Ein großartiges Foto lässt unsere Augen über das Bild wandern. Um dies zu erreichen, mussten sich die Jäger auf einer Seite befinden (für europäische Maler bedeutet dies, die Aktion auf der linken Seite zu beginnen), damit unsere Augen Platz zum Reisen haben. Wenn wir der Erzählung von der Rückkehr der Jäger folgen, sind wir automatisch beschäftigt. Selbst die Krähen lenken unseren Blick auf denselben Endpunkt. Breughel ist ein Draufgänger der Komposition.
Dein zweites Take-away: Wenn du in einem Standbild Bewegung zeigen willst, stelle den beweglichen Teil auf eine Seite, nie in die Mitte.
5. Dreieck
Du hast es vielleicht schon erraten: Geometrische Formen sind angenehm für das Auge. Wir erkennen geometrische Muster, ohne bewusst nach ihnen zu suchen. Unsere Augen reisen entlang der unsichtbaren Linien und haken uns ein: wir sind engagiert. Die Familienporträts von Paolo Veronese sind ein gutes Beispiel. Kannst du in jedem von ihnen das Dreieck erkennen?
Mein Lieblingsmaler ist Michelangelo Merisi di Caravaggio, ein hinterhältiger Italiener, der einmal die Stadt verlassen musste, nachdem er seinen Gegner in einem Duell getötet hatte. Normalerweise wurde er beauftragt, Bibelszenen zu malen, er versah sie jedoch immer mit Geheimcodes und lustigen Dingen. So besiegt man die Zensur!
Kannst du all die Dreiecke in David mit dem Kopf von Goliath erkennen? Hier sind einige, die ich gefunden habe:
Meine Kunstlehrerin hat einmal darauf hingewiesen, dass Goliath einen Ausdruck von Lust hat, das Schwert ein Phallus ist und Davids Hose in einem (symbolischen) umgekehrten Dreieck aufspringt – was dies zu einer hochsexuellen Szene macht.
Dein Take-away: Geh nicht auf die Suche nach Dreiecken. Aber wenn du sie in deinem Sucher siehst, mach das Foto.
6. Rahmen
Eine einfache, aber effektive Art, den Blick des Betrachters zu lenken, ist es, einen Rahmen um das Hauptobjekt der Fokussierung zu legen – wohin solltest du sonst schauen?
Vermeer verwendet in seinem Liebesbrief eine extreme Rahmung:
Wenn du Vermeer googelst, wirst du sehen, dass er in etwa 20 der 30 Bilder, die wir heute haben, die Rahmung angewandt hat. Als Vermeer ein Muster fand, blieb er dabei. Wenn du bis zu meinen Kommentaren zum Ausschnitt zurückscrollst, wirst du sehen, dass Breughel es auch benutzt hat, um unsere Augen zu fokussieren.
Dein Take-away: lenke den Blick der Betrachterin und schaffe Spannung, indem du etwas in den Vordergrund stellst. Ein Baum, ein Haus, Mauern, Möbel. Auf einer oder mehreren Seiten. Du brauchst nicht nach möglichen Rahmen zu suchen. Normalerweise stehen sie direkt vor dir, Hindernisse, die du versuchen würdest zu überwinden. Nächstes Mal: Nutze sie zu deinem Vorteil.
7. Nochmal die Drittel-Regel
Die Drittelregel ist super-kompliziert. Erfrischen wir uns zunächst mit Manets Le Dejourner Sur L’Herbe, wie ich es im Musée d’Orsay in Paris fotografiert habe:
Vordergrund-Zentrum-Hintergrund. Brüste und Schritt im Goldenen Schnitt. Zoom auf die nackte Frau. Das Gesicht, meine ich. Was sagt uns ihr Blick? Vielleicht: „Was ist der erzählerische Zweck, dass ich nackt bin, während die Kerle ihre Sonntagskleider tragen? Manet, du bist ein Chauvinist“.
7. Folge dem Blick
Selbst wenn ein Impressionist eine überfüllte, geschäftige Szene mit breiten Strichen malt, kann man sich leicht vorstellen, wen jeder einzelne in Renoirs Bal du Moulin de la Galette anschaut und wie er oder sie sich in diesem Moment fühlt.
Dieses Muster ist mehr emotional als visuell. Für mich ist das Schönste an einem Menschen nicht nur seine Augen, sondern der Blick in seinen Augen. Wo schaut der Mensch hin? Zu wem schaut sie? Was fühlen sie? Wenn die Augen voller Ausdruck sind, dann möchte ich in sie eintauchen. Ich bin plötzlich tief in die Geschichte, die das Bild erzählt, eingebunden.
Der Junge ganz rechts blickt sehnsüchtig auf das Mädchen, das in der Mitte steht. Sie hat ihre Hand auf der Schulter des jungen Mädchens im Vordergrund, und beide scheinen aufmerksam dem jungen, ihr gegenüber sitzenden Mann zuzuhören, dessen Gesicht verdunkelt ist. Die Tanzpaare hingegen schauen den Maler direkt an, als ob sie für ein Foto posieren würden. Meine Kommentare rütteln kaum an der Oberfläche der Emotionen in der Szene. So viel Action, so viele Gefühle, so viel, um uns zu beschäftigen.
Dein Take-away: Nicht immer stehen Menschen wie Spielzeugsoldaten vor einer Sehenswürdigkeit. Sei eine Fliege an der Wand und fotografiere sie im Gespräch, in Aktion.
8. Farbe und Kontrast
Im Amsterdamer Rijksmuseum hängt ein Gemälde neben Rembrandts Die Nachtwache. Auch wenn in dem Rahmen ein Haufen ähnlich aussehender Typen zu sehen ist, wissen wir doch genau, welcher von ihnen der wichtigste ist, oder?
Dein Take-away: Wenn dein Gegenstand hell ist, stell ihn vor etwas Dunkles und umgekehrt.
Alles zusammen
Wenn es um die Komposition geht, ist Caravaggios Jesus empfängt Seine Dornenkrone mein Lieblingsbild. Es beinhaltet nahezu jedes Kompositionselement, das ich hier aufgelistet habe, und noch mehr. Kannst du all die Kompositionsmethoden in diesem Gemälde erkennen? Schreibe sie in den Kommentaren und dann geh raus und genieße das Fotografieren!
PS: falls du meine eigenen Fotos sehen möchtest: silberblick.at.
Bildnachweis:
Erstes Bild: Unsplash
Abbildungen von Wikipedia, Fotos von Bildern vom Autor.
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